18/2/11
George de La Tour
José de Ribera
Caravaggio
El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la Iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante.
Como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio d'Ors.
La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que plasmaban dicho estilo. Proviene de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar, "barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido. También se le llama "barro-coco". Todas ellas significan lo mismo. Otro interpretación lo deriva del sustantivo "Baroco", usado en tono sarcástico y polémico para indicar un modo de razonar artificioso y pedante. En ambos casos el término expresa el concepto de artificio confuso e impuro, de engaño, de capricho de la naturaleza, de extravagancia del pensamiento.
El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ). Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Wölfflin (1864-1945), quién identificó al Barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte "elaborado".
CARACTERÍSTICAS El barroco artístico contrasta abiertamente con el ideal de armonía, proporción y medida que propugnó el Renacimiento. Las principales características del arte barroco son:
Dinamismo. El artista barroco desea crear sensación constante de movimiento. Frente al predominio de las líneas rectas en el arte renacentista, el Barroco se vale, sobre todo, de la línea curva.
Teatralidad. El artista intenta conmocionar emotivamente al espectador y para ello recurre a procedimientos hiperrealistas. Esta intencionalidad se aprecia, por ejemplo, en la representación de Cristos yacentes y en toda la imaginería sacra.
Decorativismo y suntuosidad. El artista del Barroco atiende por igual a lo esencial y a lo accidental. De ahí su minuciosidad en la composición de pequeños detalles y su gusto por la ornamentación.
Contraste. El artista barroco se manifiesta contrario al equilibrio y a la uniformidad renacentistas. Su ideal es acoger en una misma composición visiones distintas, y hasta antagónicas, de un mismo tema. En los cuadros de asunto mitológico, por ejemplo, los dioses aparecen mezclados con personajes del pueblo.
REPRESENTANTES
Podemos citar como representantes de este estilo a los siguientes pintores:
Italia: Michelangelo Merisi (CARAVAGGIO), Ludovico Carracci, Agostino Carracci, Aníbal Carracci, Gian Battista Tiépolo, Antonio Canal.
Francia: George de la Tour, Jean Antoine Watteau, Jean Honoré Fragonard, Francois Boucher.
Flandes: Péter Paul Rúbens, Anton van Dyck.
Holanda: Rembrandt Van Rijn, Johnnwa Vermeer.
España: Francisco Zurbarán , Diego Velásquez, Esteban Murillo, Jose de Ribera.
14/11/10
Henri Matisse. La danza, 1909 - 1910.
Cuando esta obra fue expuesta por primera vez en 1910 fue despiadadamente criticada por su bidimensionalidad, su falta de perspectiva y su aparente tosquedad de dibujo, aunque dichas críticas recurrían a unos convencionalismos pictóricos muy alejados de la aludida modernidad del fascinante pintor del norte de Francia. Por contra, un uso valiente y revolucionario del color, un novedoso trazo de línea y un rupturista tratamiento de la forma — no así del motivo — estaban conteniendo la semilla de dos movimientos fundamentales en la pintura del siglo XX, el expresionismo y la abstracción. Este cuadro es el primer gran paso que Matisse va a dar para convertirse en el fabuloso colorista del siglo XX que indudablemente fue. La experimentación que Matisse hizo tanto del dibujo como de la pintura, e incluso de las artes gráficas y de la escultura, consiguió cambiar para siempre la evolución del arte y de la cultura visual.
6/10/10
CLASICISMO
Durante el Cinquecento la pintura italiana alcanza la plenitud renacentista, su clasicismo, e inicia una etapa histórica de ámbito internacional de gran creatividad que denominamos manierismo.
Los pilares del Renacimiento del siglo XVI, iniciadores de la pintura "a la gran maniera", son Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Angel Buonarroti en Roma y Tiziano en Venecia.
MANIERISMO
El manierismo es la corriente estética continuadora de la gran maniera de pintar de Rafael y Miguel Angel.
El manierismo veneciano representado sobre todo por Il Tintoretto e Il Veronese, derivó hacia grandes y abirragadas composiciones, en las que resplandece el lujo y boato propios de la sociedad veneciana de la segunda mitad del siglo XVI.
Dentro de la corriente manierista no italiana destaca el genio español de El Greco, máximo exponente del misticismo pictórico.
BARROCO
La pintura del Barroco se distingue por la sobreabundancia de formas y la exaltación del movimiento.
El inicio del barroco se hace coincidir con la obra tenebrista de Caravaggio.
El boloñes Annibale Carracci pretende aunar en un estilo ecléctico los mejores logros del manierismo.
El barroco veneciano del siglo XVII tiene su figura cumbre en Giambattista Tiépolo.
Il Canaletto es el gran representante del paisaje veneciano.
ROCOCÓ
La pintura francesa del siglo XVII se mueve entre un barroquismo ecléctico representado por Vouet, el clasicismo que propugnaba la Academia de Pintura y Escultura de Francia (Poussin y Le Brun) y el realismo de Louis Le Nain.
Lo más original del barroco francés pertenece al estilo rococó, que se inicia a finales del siglo XVII y abarca buena parte del siglo XVIII, hasta la caída del Antiguo Régimen y la aparición del neoclasicismo.
Watteau y Fragonard son los más genuinos representantes de la pintura rococó con sus obras de género galante y amoroso.
NEOCLASICISMO
La pintura neoclásica refleja el pensamiento enciclopedista y la revalorización de la Antiguedad clásica.
En la pintura neoclásica, el dibujo tiene la primacía absoluta y relega el color a la función de complemento de la forma.
La composición sugiere la idea de un friso clásico. Tienen una lectura más horizontal y lógica que envolvente y rítmica.
Los dos grandes nombres de la pintura neoclásica son Jacques-Louis David y Jean Auguste-Dominique Ingre.
ROMANTICISMO
El arte del romanticismo rinde culto a la personalidad y a los sentimientos.
Los temas preferidos por los pintores románticos son la muerte, el héroe, el patriotismo, y el exotismo oriental y medieval.
Los pilares del romanticismo inglés fueron Henry Fuseli y Willian Blake, muy influenciados por Miguel Angel y marcadamente simbolistas.
El romanticismo inglés se manifiesta también a través del paisaje, en la obra de Constable, Turner, Palmer y Martín.
IMPRESIONISMO
La idea básica del impresionismo (la luz) hace desaparecer los contornos. La forma no es el resultado de la gradación tonal, sino de la yuxtaposición de colores.
Las sombras también son color. Los contrastes entre complementarios adquieren una gran importancia.
El color, en el impresionismo, es abundante pero no estridente.
El pintor impresionista no utiliza el negro.
El impresionismo usa poco la perspectiva y, cuando lo hace, se deja guiar más por la intuición que por la teoría.
El impresionismo quiere expresar la fugacidad de las impresiones visuales debidas a la luz cambiante.
POSTIMPRESIONISMO
Denominamos postimpresionistas a una serie de grandes pintores surgidos del impresionismo que trabajaron con independencia para hallar nuevos modos de interpretar la naturaleza.
Dentro de la diversidad de estilos, los postimpresionistas abogan por un cierto constructivismo que revaloriza la forma.
Los postimpresionistas señalan la frontera entre una pintura imitativa y la que explota el color como valor estético en si mismo.
SIMBOLISMO
El movimiento simbolista del siglo XIX está intimamente relacionado con la literatura.
La pintura simbolista tiene como objetivo promover una doble lectura, visual y sentimental, del cuadro.
La pintura simbolista es un lenguaje sin palabras que conduce a la evocación, al sueño, a la sugestión.
NABISMO Y FAUVISMO
La pintura nabi recoge las ideas de Gauguin sobre la independencia del color con respecto a la naturaleza.
El nabismo y el fauvismo son una herencia del postimpresionismo.
Los fauvistas se rebelaron contra la idea de que la naturaleza sólo puede representarse con colores "normales" y la recrearon con colores estridentes, contradictorios y aparentemente absurdos.
Matisse, Derain, Vlaminck y Dufy fueron figuras muy representativas del fauvismo.
CUBISMO
En contra del punto de vista único de la perspectiva, el cubismo se acerca a la complejidad de la sensación visual humana representando los objetos desde muchos puntos de vista al mismo tiempo.
En el cubismo analítico, la atención del artista se centra en la disgregación de la forma en pequeñas facetas.
EXPRESIONISMO
La obra de arte de tendencia expresionista es la manifestación plástica del estado anímico de un pintor capaz de transmitir sentimientos personales o generales: sarcasmo, angustia, miedo, desesperación, etc.
El impulso expresionista lleva a la exageración, tanto en la forma como en el color.
La tendencia expresionista aparece en periodos de crisis personales del pintor, de tensiones sociales, de ruptura con valores éticos, etc.
FUTURISMO
Estilisticamente, el futurismo es una derivación de planteamientos cubistas sobre la segmentación de la forma.
Desde el punto de vista ideológico, la pintura futurista es una exaltación de la modernidad en sus aspectos más dinámicos.
El punto de partida del futurismo debe buscarse en el Primer Manifiesto Futurista de 1909 "..... el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza: la belleza de la velocidad."
El futurismo constituye uno de los mayores intentos de llevar el arte a la vida cotidiana mediante una defensa intransigente de la modernidad.
DADAÍSMO
El nombre dadá no significa nada concreto, pero representa el movimiento artístico más anárquico del período de entreguerras.
El anarquismo dadá conduce a la introducción de objetos y elementos mecánicos (que representaban el antiarte) en el campo de la expresión plástica.
SURREALISMO
La tendencia surrealista se manifiesta en distintas épocas de la historia del Arte.
El surrealismo del siglo XX puede considerarse la manifestación plástica de las teorías del psicoanálisis de Freud.
El surrealismo figurativo es estilísticamente romántico (o sea discursivo) y técnicamente academicista.
ABSTRACCIONISMO
La pintura no figurativa o abstracta prescinde de la naturaleza como modelo para apoyarse en los atributos sensibles de la materia: forma, textura y color.
La pintura abstracta ha dado lugar a nuevos lenguajes plásticos: simbólico, abstracción geométrico-matemática (suprematismo y plasticismo), expresionismo abstracto, etc.
CINETISMO Y POP ART
La pintura cinética u optical art es un arte abstracto que proporciona movimientos virtuales mediante efectos ópticos.
Dentro del optical art aparecen dos formas de alcanzar el efecto óptico del movimiento: dibujando y pintando sobre un plano, o superponiendo elementos tridimensionales a una pintura plana, de modo que la sensación cinética dependa del punto de vista del espectador.
El pop art es una manifestación de la cultura popular urbana que toma sus imágenes de la vida real.
Técnicamente, la pintura pop art se mueve entre el collage (Rauschenberg), la fotomecánica (Lichtenstein) y la pintura propiamente dicha (Wesselmann).
15/5/10
LA OBRA SIMBÓLICA
El artista convierte en imagen algún aspecto de la ley, la religión o la moral de un pueblo. Suele tener un origen ético y pretende inducir al conocimiento y aceptación de determinadas verdades morales y religiosas.
LA OBRA CLÁSICA
La actividad del artista no tiene otra motivación que su propia sensibilidad. Por encima de otra consideración, quiere ofrecer un goce estético basado sobre todo en el equilibrio, la serenidad y la perfección.
LA OBRA BARROCA
El artista abandona el gusto por la obra equilibrada y serena, exenta de dramatismo y añade a su afán de belleza la expresión de emociones o sentimientos, evolucionando hacia formas más dinámicas.
LA OBRA ROMÁNTICA
La actividad artística plantea una obra discursiva, destinada a conmover al espectador. Muchas pinturas basadas en textos literarios, relatos históricos o legendarios responden a esta idea.
12/5/10
El hombre concibe ideas y tiene necesidad de comunicarlas, siendo esta necesidad de expresión la que motiva las acciones artísticas para las que utiliza la materia y el color, la palabra oral y escrita, su propio cuerpo o los sonidos. Todo hombre o mujer tiene ideas y las comunica, lo que no implica ser artista, porque una obra de arte no es una idea: es una idea realizada. Cuando el acto de transmitir ideas y sentimientos cristaliza en un producto acabado como consecuencia de la perfecta aplicación de un oficio, entonces, surge la obra de arte.
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